ART NEWS
О МИРЕ и ЛЮДЯХ
ЧЕРЕЗ ПРИЗМУ ТВОРЧЕСТВА
ЧЕРЕЗ ПРИЗМУ ТВОРЧЕСТВА
От итальянской кухни до славянской кудесницы:
Кухаренко Наталья рассказывает о своей мастерской в Алматы и раскрывает секреты работы с маслом
Жила – была обычная девочка, почти все предметы в школе (кроме французского) давались ей тяжело, и мысли по этому поводу были не веселые «Я ни на что не гожусь в этой жизни…» Но было у девочки одно наилюбимейшее занятие – рисовать! Она не училась в художественной школе и не умела профессионально изобразить на бумаге то, что хотела, но старалась. После школы удалось поступить в НГХУ и успешно отучившись на дизайнера 4 года, закончила с дипломом где красовалось название специализации «Дизайн в архитектурно-пространственной среде». С поисками работы не было проблем, так как в 2001 году дизайнеры были на пике популярности и каждая компания торгующая мебелью, отделочными материалами и светом, хотела заполучить в свой штат модного специалиста по дизайну.
И так девочка- это я Кухаренко Наталья! Очень рада, что моим первым местом работы оказалась компания торгующая итальянскими кухнями. (оставим названия не озвученными) Помогло ознакомиться с программой конструирования и начать учиться профессиональному общению с покупателями (ведь именно этому тогда совсем нигде не учили). Потом я устроилась в компанию торгующую итальянской офисной мебелью. По истине итальянцы гуру в дизайне. Восторг от продукции и живой интерес к познанию новых зрелищных изделий. Компания по офисной мебели, кстати, большое внимание уделяла обучению сотрудников как товарам, так и навыкам продаж. Я как дизайнер, была тоже боевой единицей и работала в торговом выставочном зале, а так-же выезжала на объекты. Скажу, что мне ооочень повезло, я работала с директорами и собственниками крупнейших компаний Новосибирска (кстати, примилейшие люди). Как-то незаметно подросла до управляющего салоном (салон был очень крупный). Амбиции и финансовая сторона жизни были удовлетворены. Но постоянно преследовало ощущение, что это все таки что-то не то. Росло напряжение и нервозность и дело было даже не ответственности, а будто я находилась не на том месте.
А мне хотелось воплощать задумки в реальные изделия и одновременно множество идей в интерьерном плане приходило. И работать именно с натуральными материалами дерево, фанера, шпон. Позже я встретилась с моей однокурсницей Олесей Зориной и от нее узнала, что много лет она уже трудится в своей берестяной мастерской. Никогда прежде мне не доводились видеть это ремесло так близко и изнутри, только лишь в готовых изделиях. Прошел еще год и за это время работая в найме на компанию, не имеющего ничего общего с дизайном (зато, теперь разбираюсь в автолампах) одновременно разрабатывала изделия для творчества из дерева. За год мировой самоизоляции, мы с мужем приобрели ЧПУ фрезерный станок и совместно с Олесей (применяя ее навыки работы с берестой) стали создавать посуду из дуба. Я придумывала и рисовала силуэты будущего блюда в CorelDRAW, а муж по этим силуэтам создавал 3Д модель в АртКаме и писал программу для станка. Через полтора года изделий стало достаточно много для выхода на широкую аудиторию. До нас никто не применял так плотно дерево, фанеру и бересту! Экспериментов с материалами было проведено огромное множество, и я не буду говорить, что всё шло без запинок и получалось с первого раза. Пробовали разные клеи, краски, морилки, методы обработки и технологии. Иной раз планируя сделать одно, выходило совсем другое и оно было круче, чем то, что запланировали. 100% творческий процесс ни дать ни взять)). Все нашей маленькой командой мы радовались победам и поддерживали друг друга, когда было совсем туго. Честно я бы не смогла продолжать заниматься этим делом на протежение трех лет, если бы мы не поддерживали друг друга. Береста часто заменяла резьбу на дереве, так как органично по цвету и текстуре вписывалась в дубовую посуду и многие другие изделия. Наш тандем был уникален и благодаря знанию материалов, фантазии и технической подкованности. Мы смело можем гордиться нашими ноу-хау дизайнами!
И так девочка- это я Кухаренко Наталья! Очень рада, что моим первым местом работы оказалась компания торгующая итальянскими кухнями. (оставим названия не озвученными) Помогло ознакомиться с программой конструирования и начать учиться профессиональному общению с покупателями (ведь именно этому тогда совсем нигде не учили). Потом я устроилась в компанию торгующую итальянской офисной мебелью. По истине итальянцы гуру в дизайне. Восторг от продукции и живой интерес к познанию новых зрелищных изделий. Компания по офисной мебели, кстати, большое внимание уделяла обучению сотрудников как товарам, так и навыкам продаж. Я как дизайнер, была тоже боевой единицей и работала в торговом выставочном зале, а так-же выезжала на объекты. Скажу, что мне ооочень повезло, я работала с директорами и собственниками крупнейших компаний Новосибирска (кстати, примилейшие люди). Как-то незаметно подросла до управляющего салоном (салон был очень крупный). Амбиции и финансовая сторона жизни были удовлетворены. Но постоянно преследовало ощущение, что это все таки что-то не то. Росло напряжение и нервозность и дело было даже не ответственности, а будто я находилась не на том месте.
А мне хотелось воплощать задумки в реальные изделия и одновременно множество идей в интерьерном плане приходило. И работать именно с натуральными материалами дерево, фанера, шпон. Позже я встретилась с моей однокурсницей Олесей Зориной и от нее узнала, что много лет она уже трудится в своей берестяной мастерской. Никогда прежде мне не доводились видеть это ремесло так близко и изнутри, только лишь в готовых изделиях. Прошел еще год и за это время работая в найме на компанию, не имеющего ничего общего с дизайном (зато, теперь разбираюсь в автолампах) одновременно разрабатывала изделия для творчества из дерева. За год мировой самоизоляции, мы с мужем приобрели ЧПУ фрезерный станок и совместно с Олесей (применяя ее навыки работы с берестой) стали создавать посуду из дуба. Я придумывала и рисовала силуэты будущего блюда в CorelDRAW, а муж по этим силуэтам создавал 3Д модель в АртКаме и писал программу для станка. Через полтора года изделий стало достаточно много для выхода на широкую аудиторию. До нас никто не применял так плотно дерево, фанеру и бересту! Экспериментов с материалами было проведено огромное множество, и я не буду говорить, что всё шло без запинок и получалось с первого раза. Пробовали разные клеи, краски, морилки, методы обработки и технологии. Иной раз планируя сделать одно, выходило совсем другое и оно было круче, чем то, что запланировали. 100% творческий процесс ни дать ни взять)). Все нашей маленькой командой мы радовались победам и поддерживали друг друга, когда было совсем туго. Честно я бы не смогла продолжать заниматься этим делом на протежение трех лет, если бы мы не поддерживали друг друга. Береста часто заменяла резьбу на дереве, так как органично по цвету и текстуре вписывалась в дубовую посуду и многие другие изделия. Наш тандем был уникален и благодаря знанию материалов, фантазии и технической подкованности. Мы смело можем гордиться нашими ноу-хау дизайнами!
Экспериментировали с морилками и на водной основе и на спиртовой, масла для дерева и остановились на максимально экологичных маслах немецкого производства BIOFA и GNATURE. Масса преимуществ именно у масел: большая цветовая палитра, почти без запаха (можно маслить даже дома), и со временем не выцветает изделие, экологично. В то время, как морилка ведет себя не столь учтиво и зачастую ЗЕЛЕНЕЕТ, приобретая цвет болотной тины, не се говоря уже о сильном запахе при работе.
Один из секретов работы с маслом: его нужно втирать и для этого понадобится пошлифовать поверхность дерева (желательно не больше 220 зернистости). Резиновые перчатки (чтоб цветное масло не окрашивало кожу рук) и х/б тряпочку (можно старую наволочку). Стараться растягивать масло по поверхности дерева равномерно втирая.
И тут подвернулась возможность поехать в Казахстан - в город Алматы. Конечно, мастерская бересты осталась по-прежнему в Новосибирске, а я уехала с семьей в теплый край! Первый год работала в коммерческой организации с найме, а вот второй год уже взялась за полное воссоздание мастерской тут и название оставила то же, что и было древне-славянское «КУДЕСЫ»- что означает чудеса!
Один из секретов работы с маслом: его нужно втирать и для этого понадобится пошлифовать поверхность дерева (желательно не больше 220 зернистости). Резиновые перчатки (чтоб цветное масло не окрашивало кожу рук) и х/б тряпочку (можно старую наволочку). Стараться растягивать масло по поверхности дерева равномерно втирая.
И тут подвернулась возможность поехать в Казахстан - в город Алматы. Конечно, мастерская бересты осталась по-прежнему в Новосибирске, а я уехала с семьей в теплый край! Первый год работала в коммерческой организации с найме, а вот второй год уже взялась за полное воссоздание мастерской тут и название оставила то же, что и было древне-славянское «КУДЕСЫ»- что означает чудеса!
Маргарете Штайф
как маленький слонёнок изменил историю игрушек
Иногда творческая идея приходит без громкого озарения: видишь выкройку, берёшь ткань и пробуешь сшить что-то новое. Для Маргарете Штайф такой попыткой стал фетровый слонёнок - игольница, которой предстояло превратиться в детскую игрушку и дать начало большому делу. Маргарете родилась в 1847 году в немецком Гингене-на-Бренце. После перенесённого в детстве полиомиелита её подвижность оставалась ограниченной. Шитьё стало её профессией: в 1877 году она открыла мастерскую, где изготавливала одежду из фетра и предметы для дома, а затем наняла помощниц. За этой биографией легко пропустить саму работу - выбор ткани, поиск формы, раскрой, стежки, исправления. Всё то, из чего складывается ремесло и что со временем позволяет увереннее воплощать собственные замыслы.
Увидеть в привычном новую возможность
Около истоков компании Steiff стоит простая выкройка из модного журнала. Маргарете воспользовалась ею, чтобы сшить слонёнка для хранения иголок. Но фигурка понравилась детям: им хотелось играть с ней. Игрушки в то время были либо деревянными, либо оловянными, либо фарфоровыми и никто не мог представить, что они могут быть мягкими. Вслед за слонами появились другие животные - самой известной игрушкой стал плюшевый медведь - Тэдди, а 1880 год стал официальной датой основания производства Steiff.
Для творческого человека здесь есть важная мысль: работа по готовой выкройке тоже может стать началом самостоятельного пути. Идея развивается в процессе изготовления и встречи с теми, кому вещь предназначена. Иногда именно чужой неожиданный отклик помогает увидеть в своей работе больше, чем задумывалось сначала.
Маргарете сумела превратить этот интерес в продолжение: расширять ассортимент, собирать команду, создавать условия для новых разработок. Её творчество постепенно стало общим делом.
Увидеть в привычном новую возможность
Около истоков компании Steiff стоит простая выкройка из модного журнала. Маргарете воспользовалась ею, чтобы сшить слонёнка для хранения иголок. Но фигурка понравилась детям: им хотелось играть с ней. Игрушки в то время были либо деревянными, либо оловянными, либо фарфоровыми и никто не мог представить, что они могут быть мягкими. Вслед за слонами появились другие животные - самой известной игрушкой стал плюшевый медведь - Тэдди, а 1880 год стал официальной датой основания производства Steiff.
Для творческого человека здесь есть важная мысль: работа по готовой выкройке тоже может стать началом самостоятельного пути. Идея развивается в процессе изготовления и встречи с теми, кому вещь предназначена. Иногда именно чужой неожиданный отклик помогает увидеть в своей работе больше, чем задумывалось сначала.
Маргарете сумела превратить этот интерес в продолжение: расширять ассортимент, собирать команду, создавать условия для новых разработок. Её творчество постепенно стало общим делом.
Алина Самарская: искусство увидеть себя
в «Отражении»
Иногда искусство помогает нам увидеть нечто большее, чем красивый образ. Оно становится своеобразным зеркалом, в котором отражаются наши мечты, чувства и те стороны личности, которым мы не всегда находим слова.
Алина Самарская - художник и создатель авторской студии уникальных подарков «Отражение». Живопись, скульптура, работа с тканями, создание интерьерных предметов и аксессуаров постепенно сформировали её собственный художественный язык. Особую роль в этом пути сыграли преподаватели, которые научили относиться к ремеслу с уважением, вниманием и искренней любовью.
Серьёзное увлечение авторскими куклами пришло во время пандемии 2020 года, создавая работы для близких и знакомых, она начала замечать, что индивидуальные образы вызывают у людей нечто большее, чем обычную радость от подарка. В них находили личные смыслы, узнавали собственные желания и мечты. Именно эти наблюдения постепенно привели к рождению проекта «Отражение».
Про проект «Отражение»
Название студии отражает её главную идею: порой нам необходим взгляд со стороны, чтобы заметить в себе то, что давно стало привычным или осталось незамеченным. Мы не всегда осознаём собственную силу, красоту, смелость и способности. Иногда откладываем мечты, сомневаемся в своих желаниях или просто перестаём прислушиваться к себе. В «Отражении» Алина соединяет художественное мастерство с опытом эриксоновского коучинга, предлагая человеку сначала исследовать свой внутренний мир, а затем увидеть его в созданном специально для него образе. Здесь важен не только результат, но и сам процесс: разговор, поиск смыслов, внимание к деталям и постепенное превращение невидимого в осязаемое. Каждая работа становится индивидуальной историей, в которой искусство встречается с личными переживаниями, воспоминаниями и представлениями о будущем. Алина не обещает, что созданный образ изменит жизнь человека. Но верит, что иногда он способен стать напоминанием о важном, поддержать желание двигаться вперёд или помочь взглянуть на себя иначе. В этом и заключается философия «Отражения»: создавать не просто красивые предметы из полимерной глины и тканей, а произведения, в которых человек может узнать частицу себя. Ведь иногда, чтобы увидеть себя настоящего, действительно нужно посмотреть в правильное зеркало.
«Отражение» - это пространство, где искусство
встречается с собой.
встречается с собой.
Вышел спецвыпуск ART-ATA о Хеллоуине
Почему мы добровольно смотрим ужастики, вырезаем лица на тыквах и примеряем пугающие образы? И почему праздник, который одним дарит повод для веселья, у других вызывает тревогу? В новом спецвыпуске ART-ATA исследуем Хеллоуин через психологию, культурные традиции и творчество.
ВСЕ ЖУРНАЛЫ ART-ATA ОТКРЫТЫ ДЛЯ ВАС!
ВСЕ ЖУРНАЛЫ ART-ATA ОТКРЫТЫ ДЛЯ ВАС!
Стены, которые рассказывают: как и чем люди расписывали свои дома.
Стена — самый старый холст человечества. Задолго до бумаги, холста и планшетов люди рисовали там, где жили: на камне, глине и штукатурке. Давайте посмотрим, как менялись техники и материалы.
Пещеры: охра, уголь и дыхание
Первые «росписи» появились десятки тысяч лет назад. Краски делали из того, что лежало под ногами: красную и жёлтую охру, гематит, древесный уголь, оксиды марганца для чёрного. Минералы растирали в порошок и смешивали с водой, жиром или соком растений.
Наносили всё это пальцами, пучками меха и шерсти, кистями из растительных волокон. А ещё — напылением: порошок или жидкую краску выдували через полую кость или тростинку. Так получались знаменитые отпечатки ладоней. Это, по сути, первый аэрограф.
Древний Египет: цвет как символ
Египтяне расписывали стены гробниц и храмов минеральными пигментами и связующими на основе растительных камедей и белка. Палитра была небольшой, но каждый цвет что-то значил: зелёный — возрождение, синий — небо и вода, красный — жизнь и энергия.
Здесь появился египетский синий — считается первым искусственно созданным пигментом в истории. Его получали, нагревая песок, соединения меди и известь.
Рим и Помпеи: красные залы и обманутый глаз
В римских домах стены были настоящим предметом гордости. Знаменитый «помпейский красный» делали из дорогих пигментов, включая киноварь. Римляне рисовали колонны, окна, пейзажи — иллюзии, которые «раздвигали» небольшие комнаты. Это ранний вариант trompe-l'œil.
Основной приём — фреска: краски наносились на свежую известковую штукатурку и вместе с ней схватывались, становясь частью стены.
Средние века и Возрождение: фреска и золото ультрамаринаМастера развили две техники:
Народная роспись: дом как произведение
Там, где не было дворцовых мастеров, стены расписывали сами хозяйки. В Украине белёные мазанки украшали цветочными орнаментами — петриковская и другие школы росписи. Краски делали из глины, сажи, растительных красителей, позже — из покупных пигментов. На Севере России расписывали внутренние стены, потолки и мебель. А в кочевой культуре роль «расписанной стены» часто играли узорные войлочные и тканые панно, которые украшали интерьер юрты.
Новое время: трафарет, обои и баллончик
В XVIII–XIX веках появился трафарет — быстрый способ повторять узор, а затем и обои, которые вытеснили ручную роспись из массового жилья. В XX веке пришли водоэмульсионные и акриловые краски, аэрограф, а вместе с ними и уличное искусство: мурали и граффити вернули росписи на стены, только теперь — на фасады.
Сегодня современные художники расписывают стены акрилом, интерьерными красками, маркерами, аэрозолем, используют проекторы для переноса эскиза. Но смысл остался прежним: сделать пространство своим. Человек в пещере и художник, который рисует мурал в кафе, делают одно и то же — оставляют след.
А какую выбрать краску для вашей новой творческой работы - читайте в нашем разделе: МАТЕРИАЛЫ
Стена — самый старый холст человечества. Задолго до бумаги, холста и планшетов люди рисовали там, где жили: на камне, глине и штукатурке. Давайте посмотрим, как менялись техники и материалы.
Пещеры: охра, уголь и дыхание
Первые «росписи» появились десятки тысяч лет назад. Краски делали из того, что лежало под ногами: красную и жёлтую охру, гематит, древесный уголь, оксиды марганца для чёрного. Минералы растирали в порошок и смешивали с водой, жиром или соком растений.
Наносили всё это пальцами, пучками меха и шерсти, кистями из растительных волокон. А ещё — напылением: порошок или жидкую краску выдували через полую кость или тростинку. Так получались знаменитые отпечатки ладоней. Это, по сути, первый аэрограф.
Древний Египет: цвет как символ
Египтяне расписывали стены гробниц и храмов минеральными пигментами и связующими на основе растительных камедей и белка. Палитра была небольшой, но каждый цвет что-то значил: зелёный — возрождение, синий — небо и вода, красный — жизнь и энергия.
Здесь появился египетский синий — считается первым искусственно созданным пигментом в истории. Его получали, нагревая песок, соединения меди и известь.
Рим и Помпеи: красные залы и обманутый глаз
В римских домах стены были настоящим предметом гордости. Знаменитый «помпейский красный» делали из дорогих пигментов, включая киноварь. Римляне рисовали колонны, окна, пейзажи — иллюзии, которые «раздвигали» небольшие комнаты. Это ранний вариант trompe-l'œil.
Основной приём — фреска: краски наносились на свежую известковую штукатурку и вместе с ней схватывались, становясь частью стены.
Средние века и Возрождение: фреска и золото ультрамаринаМастера развили две техники:
- Buon fresco — по сырой штукатурке, водными пигментами. Работать нужно быстро, поэтому роспись делали участками («джорната»), по куску на день.
- Секко — по сухой стене, с добавлением связующих (яйцо, клей, масло). Позволяет доработать детали, но держится хуже.
Народная роспись: дом как произведение
Там, где не было дворцовых мастеров, стены расписывали сами хозяйки. В Украине белёные мазанки украшали цветочными орнаментами — петриковская и другие школы росписи. Краски делали из глины, сажи, растительных красителей, позже — из покупных пигментов. На Севере России расписывали внутренние стены, потолки и мебель. А в кочевой культуре роль «расписанной стены» часто играли узорные войлочные и тканые панно, которые украшали интерьер юрты.
Новое время: трафарет, обои и баллончик
В XVIII–XIX веках появился трафарет — быстрый способ повторять узор, а затем и обои, которые вытеснили ручную роспись из массового жилья. В XX веке пришли водоэмульсионные и акриловые краски, аэрограф, а вместе с ними и уличное искусство: мурали и граффити вернули росписи на стены, только теперь — на фасады.
Сегодня современные художники расписывают стены акрилом, интерьерными красками, маркерами, аэрозолем, используют проекторы для переноса эскиза. Но смысл остался прежним: сделать пространство своим. Человек в пещере и художник, который рисует мурал в кафе, делают одно и то же — оставляют след.
А какую выбрать краску для вашей новой творческой работы - читайте в нашем разделе: МАТЕРИАЛЫ
Ташкент - это Космос.
Город, который говорит через искусство.
Город, который говорит через искусство.
Развитие искусства в городе можно заметить по тому, какие истории рассказывают его художники и где они встречаются со своим зрителем. В столице Узбекистана уже есть пространства, в которых местная архитектура, научное наследие и повседневный опыт становятся отправной точкой для разговора о нашем будущем.
Ярким примером этого движения стала первая персональная выставка «Станция Kosmonavtlar» художника, архитектора и дизайнера Азамата Абдурахманова в галерее HAQIQIY - в настоящем ташкентском доме.
Концепция выставки: Из метро в бесконечный космос. Отправной точкой проекта стала личная история Азамата: во время учебы и работы он ежедневно ездил через ташкентскую станцию метро «Космонавты», вдохновляясь ее росписями и архитектурой. Со временем знакомый маршрут превратился в метафору космического путешествия, через которую художник предлагает взглянуть на привычные земные проблемы — от экологии до утери исторической памяти. Выставка построена как единое смысловое пространство, включающее 14 живописных холстов и одну концептуальную инсталляцию. Куратором проекта выступила искусствовед Александра Романова.
Образы и смыслы:
Художественный метод Азамата опирается на пересечение трех его профессий — архитектора, дизайнера и художника. Благодаря архитектурному бэкграунду выставка выглядит не как набор изолированных картин, а как целостный маршрут, пройдя который, Вы уйдете с "пищей" для размышлений. А чтобы каждый посетитель смог увидеть именно то, что задумал художник - Азамат полностью выстраивает композицию в воображении, после чего делает серию набросков. Готовые эскизы показывает близким, чтобы проверить, считывается ли заложенная мысль.
Принцип Автора: невозможно выстроить гармоничное будущее, игнорируя и забывая прошлые архитектурные и культурные эпохи.
Информация для посетителей и место проведения:
Площадка: Галерея HAQIQIY (г. Ташкент, ул. Паркент 115)
Выставка проходит до 25.10.2026 включительно.
Спешите увидеть!
Концепция выставки: Из метро в бесконечный космос. Отправной точкой проекта стала личная история Азамата: во время учебы и работы он ежедневно ездил через ташкентскую станцию метро «Космонавты», вдохновляясь ее росписями и архитектурой. Со временем знакомый маршрут превратился в метафору космического путешествия, через которую художник предлагает взглянуть на привычные земные проблемы — от экологии до утери исторической памяти. Выставка построена как единое смысловое пространство, включающее 14 живописных холстов и одну концептуальную инсталляцию. Куратором проекта выступила искусствовед Александра Романова.
Образы и смыслы:
- Человек и планета (Триптих «У нас все еще есть Земля»): образ человечества, которое уже меняет мир, но еще не научилось беречь собственный дом.
- Информационный перегруз («Шум существования»): космос выступает метафорой современной жизни, где за технологическим шумом трудно услышать самого себя.
- Сила науки («Ловцы света»): наука — как созидательный путь, способный уберечь цивилизацию от саморазрушения.
- Архитектурная память («Психоархитектуры» и доисламское наследие): серия из трех работ исследует преемственность исламской архитектуры, советского модернизма и представления форм будущего.
- Поиск дома: композиция с маленькими фигурами космонавтов среди космических потоков посвящена релокантам, туристам и всем, кто вынужден создавать уют и ощущение безопасности с нуля на новом месте.
Художественный метод Азамата опирается на пересечение трех его профессий — архитектора, дизайнера и художника. Благодаря архитектурному бэкграунду выставка выглядит не как набор изолированных картин, а как целостный маршрут, пройдя который, Вы уйдете с "пищей" для размышлений. А чтобы каждый посетитель смог увидеть именно то, что задумал художник - Азамат полностью выстраивает композицию в воображении, после чего делает серию набросков. Готовые эскизы показывает близким, чтобы проверить, считывается ли заложенная мысль.
Принцип Автора: невозможно выстроить гармоничное будущее, игнорируя и забывая прошлые архитектурные и культурные эпохи.
Информация для посетителей и место проведения:
Площадка: Галерея HAQIQIY (г. Ташкент, ул. Паркент 115)
Выставка проходит до 25.10.2026 включительно.
Спешите увидеть!
Партнерский материал.
Хвалить так, чтобы хотелось продолжать?
-Мам, пап! Смотри, что сделал!
Фраза, которую в свое время слышит каждый родитель. Как реагировать? Хвалить без остановки или советовать как лучше и добавлять критику? На этот вопрос уже давно нашли ответ. Да, хвалить надо. Главное знать КАК это делать правильно. Рассказываем:
Похвала тоже бывает разной. В экспериментах Клаудии Мюллер и Кэрол Дуэк (1998 г. PUBMed) дети, которых хвалили за усилия, после неудачи проявляли больше настойчивости, чем те, кого хвалили за интеллект. Поэтому вместо привычного «О! Ты такой талантливый!» - что укрепляет в ребенке мысль, что он/а таким родился и вкладываться усилием уже не надо. Говорите: «Я вижу сколько сил ты вложил в это!» - фиксируем, что ребенок старался и что это старание принесло плоды. Сделайте акцент: «Ты попробовала несколько оттенков, и тени стали выразительнее». «Мне нравится, как ты передал движение». Такая похвала конкретна: она помогает заметить удачное решение и понять, что можно использовать снова.
Если хочется предложить исправления, сначала спросите, нужен ли совет. Обсуждайте работу: «Можно усилить контраст», - оставляя человеку возможность выбирать.
Хвалить - значит замечать. Иногда именно внимательного «я вижу, что у тебя получилось» достаточно, чтобы человек снова взял в руки кисть.
Подробнее о внутреннем критике и как с ним работать - читайте в ART-ATA №5
-Мам, пап! Смотри, что сделал!
Фраза, которую в свое время слышит каждый родитель. Как реагировать? Хвалить без остановки или советовать как лучше и добавлять критику? На этот вопрос уже давно нашли ответ. Да, хвалить надо. Главное знать КАК это делать правильно. Рассказываем:
Похвала тоже бывает разной. В экспериментах Клаудии Мюллер и Кэрол Дуэк (1998 г. PUBMed) дети, которых хвалили за усилия, после неудачи проявляли больше настойчивости, чем те, кого хвалили за интеллект. Поэтому вместо привычного «О! Ты такой талантливый!» - что укрепляет в ребенке мысль, что он/а таким родился и вкладываться усилием уже не надо. Говорите: «Я вижу сколько сил ты вложил в это!» - фиксируем, что ребенок старался и что это старание принесло плоды. Сделайте акцент: «Ты попробовала несколько оттенков, и тени стали выразительнее». «Мне нравится, как ты передал движение». Такая похвала конкретна: она помогает заметить удачное решение и понять, что можно использовать снова.
Если хочется предложить исправления, сначала спросите, нужен ли совет. Обсуждайте работу: «Можно усилить контраст», - оставляя человеку возможность выбирать.
Хвалить - значит замечать. Иногда именно внимательного «я вижу, что у тебя получилось» достаточно, чтобы человек снова взял в руки кисть.
Подробнее о внутреннем критике и как с ним работать - читайте в ART-ATA №5
«А, это акрил…»
Иногда в этой фразе слышится снисхождение, будто настоящая живопись обязательно должна пахнуть маслом, сохнуть месяцами и даваться через мучения. Но разве художником человека делает время высыхания краски?
Акрил - сравнительно молодой материал. Первые художественные акриловые краски появились в продаже в конце 1940-х - начале 1950-х годов: их основой стала синтетическая смола. А в середине 1950-х начали распространяться водные акриловые эмульсии - предшественники привычных нам красок. Так химические разработки открыли художникам новые способы работать с цветом.
Акрил позволяет писать тонкими прозрачными слоями или оставлять густые мазки, быстро перекрывать предыдущий цвет и пробовать снова. Его удобство ничего не отнимает у автора: композицию, настроение, сочетания оттенков и тот самый момент «вот теперь получилось» по-прежнему создаёт человек.
Можно написать скучную картину дорогим маслом, а можно акрилом передать свет в окне так, что зритель вспомнит собственное детство. Материал предлагает возможности, а вы решаете, что с ними сделать.
Если вам нравится рисовать акрилом, у вас уже есть достаточная причина продолжать. Не нужно заслуживать право называться художником, выбирая краску посложнее. Гораздо интереснее спросить себя: что я хочу показать - и как именно это вижу?
Иногда в этой фразе слышится снисхождение, будто настоящая живопись обязательно должна пахнуть маслом, сохнуть месяцами и даваться через мучения. Но разве художником человека делает время высыхания краски?
Акрил - сравнительно молодой материал. Первые художественные акриловые краски появились в продаже в конце 1940-х - начале 1950-х годов: их основой стала синтетическая смола. А в середине 1950-х начали распространяться водные акриловые эмульсии - предшественники привычных нам красок. Так химические разработки открыли художникам новые способы работать с цветом.
Акрил позволяет писать тонкими прозрачными слоями или оставлять густые мазки, быстро перекрывать предыдущий цвет и пробовать снова. Его удобство ничего не отнимает у автора: композицию, настроение, сочетания оттенков и тот самый момент «вот теперь получилось» по-прежнему создаёт человек.
Можно написать скучную картину дорогим маслом, а можно акрилом передать свет в окне так, что зритель вспомнит собственное детство. Материал предлагает возможности, а вы решаете, что с ними сделать.
Если вам нравится рисовать акрилом, у вас уже есть достаточная причина продолжать. Не нужно заслуживать право называться художником, выбирая краску посложнее. Гораздо интереснее спросить себя: что я хочу показать - и как именно это вижу?
Акрил - это всерьёз
Вот такой венок я собрала за 30-40 минут: золотарник, сухой хмель, шиповник, листья винограда, сухая лоза, шиповник сухой и немного мелиссы.
Как продлить жизнь букету или венку, которые вы сделаете уже на этих выходных?
Чтобы цветы и листья дольше сохраняли свежесть, подготовьте их до сборки. Обновите срезы стеблей острым инструментом, уберите листья, которые окажутся в воде, и поставьте растения в прохладную воду на 3–5 часов. Держите их в прохладном месте без прямого солнца: так они успеют восполнить запас влаги.Готовый венок можно обработать флористическим средством для сохранения свежести. Выбирайте состав, подходящий вашим растениям, и следуйте инструкции: такие средства помогают уменьшить потерю влаги, но не останавливают увядание полностью. Лак для волос лучше оставить для экспериментов с сухоцветами - на свежих лепестках он может (а может и нет)) вызвать пятна и повреждения.
Если венок нужен завтра, положите его в просторный контейнер или пакет, не сминая растения. Листья можно слегка увлажнить, а нежные лепестки лучше не опрыскивать. Уберите венок в холодильник при +4…+6 °C, подальше от задней стенки и созревающих фруктов: выделяемый ими этилен ускоряет старение многих цветов.
Букет храните в чистой вазе, регулярно меняйте воду. А венок берегите от солнца, батарей и ветра: прохлада и бережное обращение помогут сохранить его красоту дольше.
После работы - время для себя
Когда живёшь по графику 5/2, творчество легко откладывается на потом: сначала нужно закончить дела, приготовить ужин, разобраться с домашними заботами, а уже после, если останутся силы, достать краски или открыть скетчбук. Только свободный вечер всё не наступает, и желание что-нибудь сделать своими руками постепенно превращается в ещё один сохранённый пост.
8–9 октября в программе Алматинского музея искусств были заявлены клуб рисования Nobai: Musinder и вечерний мастер-класс для взрослых After Work. Уже само появление таких встреч напоминает: у взрослого человека может быть место для творчества рядом с работой и повседневными обязанностями.
Днём мы часто выполняем чужие задачи, соблюдаем сроки и принимаем решения, у которых должен быть понятный результат. Творческий вечер позволяет выбирать самому: какой цвет взять, какую форму придумать, продолжить начатое или попробовать иначе. Здесь можно быть начинающим, задавать вопросы и делать что-то просто потому, что интересно.
Для этого необязательно освобождать выходные или покупать целый набор материалов. Иногда достаточно десяти минут, чтобы нарисовать предмет на столе, собрать коллаж из старого журнала или сделать несколько стежков. А иногда хочется прийти на занятие, где всё уже подготовлено и рядом есть люди, которые тоже решили уделить время себе.
В ART‑ATA мы считаем, что право творить сохраняется в любом возрасте. Даже если завтра снова в офис, сегодня можно оставить на бумаге маленький след собственного любопытства. Помогут вам в этом открытые для всех электронные журналы ART-ATA.
Когда живёшь по графику 5/2, творчество легко откладывается на потом: сначала нужно закончить дела, приготовить ужин, разобраться с домашними заботами, а уже после, если останутся силы, достать краски или открыть скетчбук. Только свободный вечер всё не наступает, и желание что-нибудь сделать своими руками постепенно превращается в ещё один сохранённый пост.
8–9 октября в программе Алматинского музея искусств были заявлены клуб рисования Nobai: Musinder и вечерний мастер-класс для взрослых After Work. Уже само появление таких встреч напоминает: у взрослого человека может быть место для творчества рядом с работой и повседневными обязанностями.
Днём мы часто выполняем чужие задачи, соблюдаем сроки и принимаем решения, у которых должен быть понятный результат. Творческий вечер позволяет выбирать самому: какой цвет взять, какую форму придумать, продолжить начатое или попробовать иначе. Здесь можно быть начинающим, задавать вопросы и делать что-то просто потому, что интересно.
Для этого необязательно освобождать выходные или покупать целый набор материалов. Иногда достаточно десяти минут, чтобы нарисовать предмет на столе, собрать коллаж из старого журнала или сделать несколько стежков. А иногда хочется прийти на занятие, где всё уже подготовлено и рядом есть люди, которые тоже решили уделить время себе.
В ART‑ATA мы считаем, что право творить сохраняется в любом возрасте. Даже если завтра снова в офис, сегодня можно оставить на бумаге маленький след собственного любопытства. Помогут вам в этом открытые для всех электронные журналы ART-ATA.
Сегодня 9 октября в Алматы открылась выставка «Наследие эпохи. Искусство XX века из собрания Третьяковской галереи»: в музей имени Абылхана Кастеева привезли 30 произведений. Такие встречи позволяют увидеть искусство другой страны рядом с домом, а музейный обмен становится способом поддерживать культурный диалог. Но путешествия произведений бывают и поводом для споров, которые продолжаются десятилетиями.
Один из самых известных - между Грецией и Великобританией за скульптуры Парфенона. В начале XIX века, когда Афины находились под властью Османской империи (1299-1922гг), люди лорда Элгина сняли с храма часть мраморных скульптур и рельефов. Позже они оказались в Британском музее, а некогда единый ансамбль был разделён между странами.
В 1983 году Греция официально потребовала постоянного возвращения скульптур. Для неё это вопрос воссоединения памятника: его части должны рассказывать общую историю в Афинах. Британский музей считает приобретение законным и защищает своё право хранить произведения в Лондоне, где они представлены рядом с наследием других культур.
Спор остаётся открытым. В феврале 2026 года британское правительство подтвердило переговоры о партнёрстве, включая взаимные музейные займы, однако обсуждение ещё не означает возвращения.
Выставка в Алматы напоминает, сколько возможностей даёт сотрудничество музеев. История Парфенона добавляет непростой вопрос: если искусство принадлежит всему человечеству, кто решает, где находится его дом?
Один из самых известных - между Грецией и Великобританией за скульптуры Парфенона. В начале XIX века, когда Афины находились под властью Османской империи (1299-1922гг), люди лорда Элгина сняли с храма часть мраморных скульптур и рельефов. Позже они оказались в Британском музее, а некогда единый ансамбль был разделён между странами.
В 1983 году Греция официально потребовала постоянного возвращения скульптур. Для неё это вопрос воссоединения памятника: его части должны рассказывать общую историю в Афинах. Британский музей считает приобретение законным и защищает своё право хранить произведения в Лондоне, где они представлены рядом с наследием других культур.
Спор остаётся открытым. В феврале 2026 года британское правительство подтвердило переговоры о партнёрстве, включая взаимные музейные займы, однако обсуждение ещё не означает возвращения.
Выставка в Алматы напоминает, сколько возможностей даёт сотрудничество музеев. История Парфенона добавляет непростой вопрос: если искусство принадлежит всему человечеству, кто решает, где находится его дом?
ПРАВО ИМЕЮ?
Может ли человек без художественного образования назвать себя художником - и не просто создавать работы «для себя», но назначать им цену, выставлять на продажу и занимать место рядом с теми, кто пять лет изучал композицию, анатомию, перспективу и историю искусства?
С одной стороны, диплом не превращает человека в художника автоматически. Можно безупречно знать правила, владеть техникой и всё же не сказать зрителю ничего. И наоборот: человек, никогда не входивший в академическую мастерскую, может создать работу, перед которой кто-то остановится, почувствует узнавание и захочет унести её домой. Возможно, художником нас делает не документ, а способность придавать форму тому, что прежде не имело ни цвета, ни линии, ни имени.
Но образование - это не пустая формальность. За ним стоят годы дисциплины, критики, неудач и труда. Поэтому тревога профессионала понятна: почему человек, миновавший долгий путь обучения, иногда получает те же возможности - или даже большую известность? Не обесценивает ли это профессию?
Однако рынок искусства не похож на очередь за ограниченным количеством хлеба. Покупатель выбирает не всегда самую сложную работу и не обязательно автора с самым убедительным резюме. Он выбирает то, что отзывается именно ему. Продажа одной картины самоучки не означает, что выпускник академии лишился своего покупателя. Но означает ли это, что техника, знания и профессиональные стандарты больше не имеют значения?
Вероятно, право создавать принадлежит каждому. Право продавать появляется тогда, когда другой человек готов заплатить. А вот право называться художником остаётся территорией спора - между мастерством и смелостью, школой и свободой, признанием других и внутренним решением.
Так кто всё-таки определяет художника: академия, рынок, зритель или он сам?
Может ли человек без художественного образования назвать себя художником - и не просто создавать работы «для себя», но назначать им цену, выставлять на продажу и занимать место рядом с теми, кто пять лет изучал композицию, анатомию, перспективу и историю искусства?
С одной стороны, диплом не превращает человека в художника автоматически. Можно безупречно знать правила, владеть техникой и всё же не сказать зрителю ничего. И наоборот: человек, никогда не входивший в академическую мастерскую, может создать работу, перед которой кто-то остановится, почувствует узнавание и захочет унести её домой. Возможно, художником нас делает не документ, а способность придавать форму тому, что прежде не имело ни цвета, ни линии, ни имени.
Но образование - это не пустая формальность. За ним стоят годы дисциплины, критики, неудач и труда. Поэтому тревога профессионала понятна: почему человек, миновавший долгий путь обучения, иногда получает те же возможности - или даже большую известность? Не обесценивает ли это профессию?
Однако рынок искусства не похож на очередь за ограниченным количеством хлеба. Покупатель выбирает не всегда самую сложную работу и не обязательно автора с самым убедительным резюме. Он выбирает то, что отзывается именно ему. Продажа одной картины самоучки не означает, что выпускник академии лишился своего покупателя. Но означает ли это, что техника, знания и профессиональные стандарты больше не имеют значения?
Вероятно, право создавать принадлежит каждому. Право продавать появляется тогда, когда другой человек готов заплатить. А вот право называться художником остаётся территорией спора - между мастерством и смелостью, школой и свободой, признанием других и внутренним решением.
Так кто всё-таки определяет художника: академия, рынок, зритель или он сам?
Сегодня, 1 октября, начинается международный творческий челлендж Инктобер. Его придумал художник Джейк Паркер в 2009 году, чтобы улучшить навыки рисования тушью и выработать привычку регулярно практиковаться, а со временем личная инициатива превратилась в движение, объединившее художников по всему миру.
Классический формат - один рисунок в день на протяжении октября, то есть 31 работа за месяц. Но организаторы разрешают рисовать через день или раз в неделю: главное — выбрать посильный ритм и придерживаться его. Работами можно делиться в соцсетях с хештегами #inktober и #inktober2026, а можно просто повесить рисунок на холодильник и показать близким.
Темы каждого дня и подробнее о создании самого челленджа читайте в нашем номере ART-ATA №6 (стр. 30)
Классический формат - один рисунок в день на протяжении октября, то есть 31 работа за месяц. Но организаторы разрешают рисовать через день или раз в неделю: главное — выбрать посильный ритм и придерживаться его. Работами можно делиться в соцсетях с хештегами #inktober и #inktober2026, а можно просто повесить рисунок на холодильник и показать близким.
Темы каждого дня и подробнее о создании самого челленджа читайте в нашем номере ART-ATA №6 (стр. 30)
31 день, чтобы начать рисовать: стартовал Инктобер
ART NEW | Творчество в группе может поддерживать психологическое благополучие
Музыка, рисование и совместное обсуждение своих работ могут помогать людям, испытывающим одиночество, чувствовать себя лучше - об этом говорят результаты нового исследования учёных из Китая. Работа опубликована 29 сентября в журнале Frontiers in Psychology.
В эксперименте участвовали 60 студентов в возрасте от 18 до 22 лет с повышенным чувством одиночества.
У участников творческой программы исследователи обнаружили более благоприятные изменения в положительных эмоциях и психологическом благополучии - ощущении смысла, собственной состоятельности и качества отношений с другими людьми.
Музыка, рисование и совместное обсуждение своих работ могут помогать людям, испытывающим одиночество, чувствовать себя лучше - об этом говорят результаты нового исследования учёных из Китая. Работа опубликована 29 сентября в журнале Frontiers in Psychology.
В эксперименте участвовали 60 студентов в возрасте от 18 до 22 лет с повышенным чувством одиночества.
У участников творческой программы исследователи обнаружили более благоприятные изменения в положительных эмоциях и психологическом благополучии - ощущении смысла, собственной состоятельности и качества отношений с другими людьми.
ДНК ИЛИ ОПЫТ?
Главный вопрос дня: Рождаемся ли мы с верой в свой созидательный потенциал или она формируется исключительно в процессе жизни?
Исследователи из Университета Сан-Паулу опубликовали в научном журнале Personality and Individual Differences исследование генетических и средовых факторов творческой уверенности.
Ключевые выводы исследования:
Ключевые выводы исследования:
- Гены определяют лишь пятую часть: Генетическая наследственность объясняет около 22% различий в том, как люди оценивают свою художественную креативность, и около 21% — в оценке практической повседневной изобретательности
- Личный опыт решает всё: Около 78–79% уверенности в собственных созидательных способностях формируется благодаря уникальному жизненному опыту — личным встречам, индивидуальным увлечениям, менторам и пройденным испытаниям.
Общий семейный быт не создает ограничений: Общая семейная среда (воспитание в одном доме с братьями и сестрами) не оказывает статистически значимого влияния на творческую самооценку человека.
Почему это важно для каждого созидателя?
Как подчеркивают авторы исследования, генетические предрасположенности ни в коем случае не являются фатумом (неотвратимая судьба) или оправданием. Главным двигателем творческой уверенности остаются наши собственные решения, регулярная практика и смелость накапливать уникальный личный опыт вопреки голосу внутреннего критика.
Почему это важно для каждого созидателя?
Как подчеркивают авторы исследования, генетические предрасположенности ни в коем случае не являются фатумом (неотвратимая судьба) или оправданием. Главным двигателем творческой уверенности остаются наши собственные решения, регулярная практика и смелость накапливать уникальный личный опыт вопреки голосу внутреннего критика.
(PsyPost, 26 сентября 2026)
ART-ATA ОБЪЕДИНЯЯ МИР
- ПОМНИ, ЧТОТворчество появилось задолго до профессий, музеев и членораздельной речи.
- НЕ СОМНЕВАЙСЯТворческая уверенность зависит от генов лишь на 20 –24%. Пробуй - создавай.
- ХВАЛИ СЕБЯВнутренний критик - не враг. Можно договориться.
- ПОКАЗЫВАЙ СЕБЯМы поддержим твои творческие начинания! И поможем подобрать все необходимое.
ART-ATA - это настоящий международный творческий проект!
География нашей экосистемы растет с каждым номером: Казахстан, Швейцария, Российская Федерация (от Санкт-Петербурга до Сибири и Камчатки), Грузия, Сербия, Узбекистан, Израиль, Бельгия, Турция, Украина, Беларусь, Туркменистан, Кыргызстан, Черногория, США, Таджикистан.
География нашей экосистемы растет с каждым номером: Казахстан, Швейцария, Российская Федерация (от Санкт-Петербурга до Сибири и Камчатки), Грузия, Сербия, Узбекистан, Израиль, Бельгия, Турция, Украина, Беларусь, Туркменистан, Кыргызстан, Черногория, США, Таджикистан.
ART-ATA 2025-2026
